Bibliothèque

ISBN : 9789895548538

O Museu Nacional do Teatro, oficialmente criado em 1982, encontra-se instalado no Palácio do Monteiro-Mor, em Lisboa. É o museu nacional e o grande arquivo das artes do espectáculo em Portugal, contando actualmente com mais de 300 000 espécies no seu acervo. O seu objectivo é recolher, preservar, reistar, estudar e difundir as suas coleções, promovendo o conhecimento da história e da activdade contemporânea daquelas artes.

Tem como missão informar, formar, educar e divertir o público que a ele acorre, afirmando-se, de forma clara, como uma instituição de referência na museologia e na História das Artes em Portugal.

Inicialmente concebido e dedicado, em exclusivo, à apresentação de exposições temporárias, em 2003 foi inaugurada no edifício principal (Palácio) a primeira exposição de carácter permanente, "Peças de Teatro: as coleções do Museu", baseada numa estrutura e num percurso nos quais as peças vão periodicamente rodando, permitindo assim uma maior dinâmica museográfica e, em simultâneo, um maior conhecimento e entendimento, por parte dos visitante, do vasto acervo que constitui este museu e da forma como as suas coleções estão organizadas nas respectivas reservas. Na galeria situada no edifício fronteiro à recepção/loja são apresentadas exposições temporárias dedicadas a todos os aspectos que intervém nas Artes do Espectáculo.

ISBN : 0486424421

Harlequin, Scaramouch, Pantalone, and other beloved figures from the Commedia dell'Arte grace the pages of this delightful work. These magnificent 103 black-and-white engravings were originally published in 1716 in Nuremberg. Little is known of the author, save that he was a Venetian ballet master — his work bespeaks his prodigious gifts of imagination and creativity.

Projet « Pier Paolo Pasolini : un cinéma de poésie ».

Le projet « Pier Paolo Pasolini : un cinéma de poésie » a pour but de faire connaître à l’étranger la figure intégrale de Pasolini et de susciter un approfondissement des recherches sur son oeuvre.

En acceptant, sur l’invitation de l’Ente Autonomo Gestione Cinema de réaliser ce projet, notre association profite de l’occasion qui lui est donnée pour élargir le discours qu’elle a commencé dès sa fondation en 1977.

Au point de départ, il y a, dans notre discours, la conscience de la complémentarité des hommes en politio-littéraires et cinématographiques de l’auteur de Le Ceneri di Granmsci et de Accattone.

Pasolini est, pour toujours, poète dans toutes les formes d’expression, même les plus imprévisibles, de sa généreuse activité. Et donc, poète dramaturge, poète pédagogue, poète corsaire et poète d’un cinéma de poésie. Corpus unique, indissociable.

Et c’est en ce sens que l’ouvre cinématographique de Pasolini est encore dans une large mesure à découvrir, certainement à étudier, et qu’elle est destinée à durer autant que la poésie, au-delà des contingences et des modes, et à devenir un point de repère sûr, un patrimoine destiné aux générations futures.

De cette conscience profonde découle celle qui veut être, dans nos intentions, la caractéristique dominante « projet » : la rigueur philosophique et scientifique dans la recherche et dans la préparation des matériaux que nous soumettrons à l’attention des chercheurs et du public international.

En effet, le « projet » se propose de contribuer à la connaissance de l’ouvre cinématographique intégrale de Pasolini, et cet engagement comporte à la fois des orientations précises dans la recherche et des choix dans sa réalisation.

Les directeurs de la photographie de chaque film verront personnellement au tirage des copies d’après les négatifs. Quant au sous-titrage dans les trois langues prévues (français, anglais et espagnol), il sera réalisé dans des phases séparées, de manière à approfondir et restituer ce qu’on a tendance à négliger. Nous faisons allusion aux significations idéologiques trop souvent ignorées et à la qualité poétique qui imprègne tous les dialogues, tous les silences des ouvres Pasoliniiennes.

Chaque film aura un conseil responsable, choisis parmi des écrivains, des poètes et des opérateurs culturels et chaque copie portera la signature de notre association.

Les festivals que nous organiserons serons accompagnés d’interviews audiovisuelles de Pierre Paoli nous Pasolini que nous sommes en train de rechercher en Italie et à l’étranger, elles aussi sous-titrées, ainsi que l’exposition « la forme du regard » : une série de panneaux lumineux sur les thèmes centraux de Pier Paolo Pasolini, illustrés eux aussi, ou mieux, guidé par cette poésie. Une exposition extrêmement révélatrice de l’intensité figurative exprimée dans chacun de ses films.

Tout aussi importants seront les séminaires dont le but est essentiellement didactique et démonstratif, et qui s’efforceront de démontrer la complémentarité indissociable du poète et de l’homme de cinéma.

En ce qui concerne les matériaux écrits, graphiques et photographiques que nous nous proposons d’offrir aux chercheurs et aux publics, ils seront en large mesure réunie dans un catalogue quadriennal de réaliser par une structure de recherche créée dans ce but. Notre intention est que Pier Paolo Pasolini lui-même expliqué introduise ses films. Des monographies isolées à joindre au catalogue, ainsi que les scénarios intégraux, sont aussi prévus.

Les conditions précaires et chaotiques dans lesquelles se trouvent les négatifs et les pellicules ont rendu notre travail ardu et plein d’embches. La conservation de la plupart d’entre eux rend improbable l’idée que « l’ouvre d’art doit rester comme un témoignage éternel pour les générations futures ».

Avec la patience et la ténacité artisanale que nous mettons à ce travail nous comptons être prêts en mai 1988.

ISBN : 2914649916

Encyclopédie, ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, par une société des gens de lettres.

Monsieur Diderot, de l’Académie Royale des Sciences et Belles-Lettres de Prusse, et quant à la partie mathématique, par Monsieur D’Alembert, de l’Académie Royale des Sciences de Paris, de celle de Prusse, et de la Société Royale de Londres.

A Paris

M.DCC.LI.

Avec Approbation et Privilège du Roy.

Il y a 10 ans environ mon ami Pierre Brisson, toujours si clair, si pertinent, et qu'on devine derrière ses phrases tel qu'un gardien de phare dans son œil sur la mère, écrivait : « Dans les époques chargé d'inquiétude, il est fatal peut-être que la littérature perd de son vrai sens et que l'inspiration se met en sommeil. L'histoire incite à le penser. Nous traversons sans doute une de ces périodes d'hivernage. Explique critique intervient en toute chose, les talents fois sonne, et les sentiments sont Bodice. Le scepticisme général intimide les grandes tentatives… »

Je ne vois rien à ajouter aujourd'hui, et rien à retrancher à ce magistrat petit exposé : nous en sommes toujours au même point, et j'entends ce répercuter les cours de la phrase de Voltaire : point de salut au théâtre sans la fureur des passions. Or, dans les temps que nous traversons, il y a bien de la fureur, et la passion, comment on dit de l'aventure, est au coin de la rue … mais fureur et passion contournent le théâtre et stagnent groupe place publique. C'est le sentiment qui manque le plus, on ne le dira jamais assez. Il semblerait que nous ayons quelque chose contre lui. Mais quoi ? Pudeur, méfiance, dégoût ? Qui est le dira ? Mais il est bien évident que cette chaleur ouvrait, tque ces ressorts À tous tes preuves sont absents de la scène moderne. Les producteurs, pour parler le langage précis est violent qui est à la mode depuis pas mal d'années, l'utilise plus le sentiment. Du moins à l'état pur. Les moins hardis l'invitent encore à la même table que la politique, la sexualité, abstrait, l'absurde, la simultanéité et autres convives. Les affranchis non non cure. Assez de ce boulet contraint depuis des siècles ! Mais tout Theatre est à la recherche d'une fatalité, et les sentiments exactes, voire excessif, savent bien, dans l'ombre de l'âme, on les viendra retirer un jour pour occuper la place d’honneur dans les enchaînements, intrigue et explosion qui sont le fou de la vieille à faire du » Circences ».

Je ne vais pas au théâtre, c'est-à-dire qu'il m'est impossible d'y aller : des dieux de ciment armé veillent à mon éloignement et me privent de rampe, de manteau d’Arlequin, du bruohaha des salles et du bouillonnement des coulisses où j'aimais tant jadist jetter mon grain de sel et entretenir des amitiés, notamment avec les Jouvet, les Renoir et d’autres piliers de la chose … Dieu de Simon, mais pas un rideau de fer ! La solution de continuité n'a pas été touché. Je ne vais pas au théâtre, le théâtre vient à moi … pour intermédiaire de la radio, je vais vous ? Pas du tout. Radio dépose régulièrement un peu de théâtre en poudre sur ma soucoupe, comme dans tout foyer. Pourtant, ce n'est pas le chemin de traverse auquel je fais allusion. Le théâtre vient chez moi en chair et en os, tantôt personnifiés, tantôt personnifié par des auteurs, tantôt par les acteurs. Ou bien il perce carrément mes murailles il me propose ses rumeures. Ou bien il est le sujet central des conversations qui se trame à mon chevet entre spectateur satisfaits ou irrités. Bref, le théâtre parisien d'aujourd'hui me délègue ses forces, ses spectre et ses fantômes ; mais ainsi permis de m'informer et de savoir, tout comme un autre …

Tout le monde a constaté, depuis qu'il y a des chroniqueurs et qui font admirablement leur métier, que le théâtre est à Paris la chose du monde dont on parle le plus. Que les pièces ne sont pas si connu que vous n'avez. Regardées ! Et tendissent que je me livre au petit jeu des bilans, je les entends qui reviennent toutes avec leur signification particulière, ordonné la publicité qui fut faite dans le avènement, et des photos dont il est désormais entendu qu'elle ne peuvent plus se passer.

Voici la « Folle de Chaillot « de notre cher Giraudoux, aujourd'hui devisant et filant en société de Racine, de Jules renard et de mon vieux Charles Louis-Philippe, la Folle de Chaillot et son enseignement puissant précieux : le monde sera sauvé par les insouciant, par Moreno et Jouvet, poésie De Roulie, marchands ambulants et génie de la bricole, contre les forbans abstrait des affaires. Ce n'est pas si fou. La pièce ce sont deux juste comme un Louis d’or sur le trottoir. Voici le Soldat et la Sorcière, qui est plus qu'un jeu subtil historié de costumes et de élégances, et très exactement une entreprise, haute et digne, d'intelligence et de finesse à l’usage de spectacle. Ici on a repris dans des décors qui témoignent d'un véritable enrichissement intérieur, le Père Humilié et le Voyage de Monsieur Perrichon. Là, on a mis en images violentes et sans recours, ces parties honteuses du cœur et ces volcans éteints de ll’âme humaine qui tourmentèrent déjà Schopenhauer et Dostoïevsky, Maupassant et Mirbeau, et l’on a osé avec bonheur la mise à nu de ses instincts, de ses buissons de liberté horrible : je veux parler de La Sauvage, de la Maison de Bernarda et de Divines Paroles. Au Vieux-Colombier, dans un cadre particulièrement soigné, Henri Troyat nous a rappelé que si nous sommes peu de chose, nous les Vivants, nous demeurons malgré tout le seuls dignes de vivre, les seuls importants sur cette planète à surprises qui nous veut tant de bien et à laquelle nous voulons tant de mal.

Plus loin sur la ligne d’horizon, apparaissent dans leur cosse de galanterie aimable et doucement huilée, les pièces conçues exprès pour plaire, bercées par leur propre chanson de mots, de Doris à Jeunes Filles, et l’on est parfois tout ragaillardi d’y trouver des hommages aux recettes et secrets de fabrication qui font que « Paris  sera toujours Paris », ainsi qu’il est dit dans la lgende populaire. Naturellement, le vaudeville classique demeure, avec ses entrées et sorties, ses belles-mères et ses audaces de situation, parfois si cocasses qu’un bel esprit c'était écrié il y a quelques années au Palais Royal en présence d'une bouffonnerie de taille : « transporter ce sujet dans le tragique ou le magique, imaginer que tant que quiproquo soit déterminés, vous aurez aussit^t du super-Freud ! ».

Restent les pièces pensées, qui fleurent l’Ecole Normale, les cafés litéraires, le groupe, l’agrégation de philo … Pièces qui ont fait courir des foules et des jeunesses avides de comprendre le coeur moderne, la cervelle contemporaine; et ces jeunes t^etes se trouvaient en présence d’idées vêtues comme vous ou moi, toutes empressées de prendre la place des sentiments absents. Il est bien certain que ces dernières débordent de talent, se hérissent de conceptions et tâchent de guérir des mortels, de les consoler, voir de lesappeler à l’aide : «  Aux armes, spectateurs, l’humanité est en danger !… ». Elles ne maintiennent cependant qu’à l’état de spendides expériences et n’apportent pas plus d’eau au moulin français que les adaptations étrangères qui ont fait fureur. De même que le cinéma, le théâtre de la saison close se cherche aussi dans le passé, dans l’avenir ou chez les fantômes, en attendant qu’il s’aperçoive, rutilant et frais, au coeur même de l’actualité, et désireux de se faire aimer.

Léon-Paul Fargue

ISBN : 0713639857

Theatre productions can be greatly enhanced by effects, from the simple door-slam to the more complex simulation of a thunderstorm. This practical handbook divides effects into four sections : scenic, sound, lighting and special. Each section has been written by an internationally experienced expert in the field.

An exciting range of effects are described : from waterfalls, flying peopel, snow and fog to blood, ghosts, ringing telephones, explosions and flashes. Techniques are explained, often with a choice of how to carry out the effect depending on the budget available.

A significant number of effects that we know today have been in use for many years; their importance is discussed in an introductory chapter on the history of effects. There are also sections on safety, plotting and cueing. In addition there are lists of useful addresses, supliers and manufacturers and a biography suggesting further reading.

ISBN : 9781350106383

“Beautifully produced.” – Times Literary Supplement

“[A] richly illustrated, compelling analysis of historical and contemporary costume design. The book successfully provokes a scholarly conversation that makes a marked departure from the kind of how-to book or fashion history that tends to dominate the shelves ... [It] ... explores interdisciplinary theoretical territory and makes broader arguments about the function of costume within a variety of performance genres, time-periods, and sociopolitical contexts.” – Theatre Topics

“This richly illustrated book presents a range of lenses for the study of costume for performance. The ambitious breadth of topics and periods covered [gives] a tantalising taste of interdisciplinary theories and methods ... This ambitious work is a significant step forward in this emerging field and offers a beautifully illustrated introduction to a wide range of theories and methods for analysing costume for performance. It is an important book for students and scholars in this field.” – The Journal of Dress History

“Barbieri (London College of Fashion, UK) offers a refreshing look at costumes and their use throughout history in creation, use, and affect in the development of live performance. The author finds connections between contemporary work and historical costume in pageantry, theater, and dance. Six chapters take up a wide variety of topics, exploring for example the transformative ritual of costume, costuming of choruses, the grotesque “Other” body, flying technology and costume, and costume in the present representing the past. Chapter 5, contributed by Trimingham (drama and theater, Univ. of Kent, UK), offers a compelling look at the effective power of costume as art. This well-written, beautifully illustrated book brings to light the importance of costume to live performance in terms of its preparation and presentation. Drawing examples from ancient Greece as well as a wide variety of European theater, from medieval theater to more contemporary and experimental productions, this book is sure to become required reading for students and scholars of costume design and history. Summing Up: Highly recommended. Lower-division undergraduates through faculty and professionals, including students in technical programs.” – CHOICE

“This is essential reading for anyone interested in performance and costumes, providing an exciting and accessible scholarly exploration of the uses and significance of costumes from prehistoric ritual to contemporary theater. It is valuable for its international range of productions and detailed descriptions of significant costumes, including dance, circus performance, street theater and traditional stage.” – Patricia Lennox, New York University, USA,

“Donatella Barbieri has crafted a unique and intriguing way of looking at the history of costumes for performance. Drawing on case studies and in-depth analysis of performance costume, this book is a marvelous addition for researchers in the costume discipline.” – Colleen Muscha, School of Theatre, College of Fine Arts, Florida State University, USA,

“This poetic work is a tour de force of lively research and imagination. Charting the transformation of performance costume across time, space and material, Barbieri, with Trimigham, takes us from the Ancient Greek chorus to modern trapeze artists, revealing how costume creates new thresholds of human experience.” – Peter McNeil, University of Technology, Sydney, Australia,

“With compelling scholarship and great artistic sensitivity, Barbieri deftly explores the cultural, societal and creative agency of the costumed and performing body. In tracing the complex artistic, historical and cultural journey from every day clothing through the designer to the cutting table to the stage costume, this magnificently illustrated book makes an absolutely essential contribution to our understanding of scenography.” – Christopher Baugh, University of Leeds, UK,

“Donatella Barbieri's own breadth of skills as a passionate lecturer, an inspiring teacher and a practitioner are all evident in this wonderful and uncompromising new book. Through the agility of her themes and connections from paleolithic cave painting to the most recent performances or archival discoveries, she never loses sight of the metamorphic power of costume. This is a daring and inspiring book.” – Judith Clark, Research Centre for Fashion Curation, University of the Arts London, UK.,

Franchir le seuil de cette maison qui porte un nom que je lui ai donné il y a 17 ans, traverser ses coulisses des étroites où j’ai vu se presser jadis le flot de la comédie, remettre enfin le pied sur ce plateau où j’ai vécu, dans le travail, tant de jour et de nuit de ma jeunesse, je ne vous étonnerais pas en disant que ce sont, pour moi, des opérations qui ne vont pas sans un peu d’effort.

Ici, 2913 à 1914, puis de 1000 919 924,50 pièces environ ont été représentées. La vie a été donnée à plus de cinq ou 600 personnages par moins de trente acteurs.

Dans ce temps-là, quand on avait nommé la Compagnie du Vieux-Colombier, on croyait avoir assez dit.

Au moment de vous parler, je revois ses camarades, qui ont été courageux et fidèle, et partagèrent longtemps une gloire indivise. Je les revois tous, et chacun en particulier. Ma pensée n’a pas besoin de les rejoindre. Depuis six ans, elle ne les a pas quittés un seul jour.

Les lieux, du moins, sont demeurés. C’est trop peu de dire que je les ai aimés. Il me semble qu’ils ont été faits de ma substance. J’y retrouve inscrite la forme de beaucoup de mes pensées. Certes tant mouvements de mon corps continu de les habiter.

C’est de cette trappe, ici, que je surgissais, dans Cromedeyre-le-Vieil, avec mon chien, sous l’apparence d’un jeune homme de vingt ans. Je viens de revoir l’escalier que je descendais de ma loge, à petits pas, avec les précautions d’un vieillard de soixante-dix-huit ans, quand je jouais la Maison natale. Les petits démons du Saül me pressaient et m’écrasaient dans ce retrait du mur, à la cour. Par le portillon du jardin, là, je faisais mon entrée dans Il faut que chacun soit à sa place, la dernière pièce que nous avons donnée… Combien de fois me suis-je avancé sur la demi-lune du proscenium, devant le rideau que j’en trouvais avec un battement de cour, pour faire une annonce, dire un prologue, parler à nos amis, les instruire de nos projets, plus souvent les appeler à l’aide. Oui, jusqu’à .la veille du dernier jour..

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Jacques Copeau

ISBN : 2806102642

Ce numéro aborde les questions juridiques liées au statut social et fiscal des artistes (droit au chômage, droit d'auteur, droit à l'image. . .) plus que jamais au centre de leurs préoccupations en cette période de crise où des coupes sévères sont opérées dans les budgets de nos institutions culturelles et où les conditions de travail des artistes, tout comme la réglementation sur leur droit au chômage, se voient durcies.

ISBN : 2742762426

Un essai historique, de nombreux plans et photographies, ainsi que des fiches techniques et une riche bibliograohie, mettent en évidence l’évolution d’une typologie qui, de l’époque classique jusqu’à nos jours, n’a cessé d’accompagner les aléas de l’architecture urbaine.

Cet examen de toutes les formulations de l’édifice théâtral depuis la Renaissance jusqu’au XIXe siècle, notamment au travers des traîtés d’architecture, nous enseigne que la scène théâtrale s’est de tout temps identifiée avec la scénographie urbaine.

Cette préoccupation déjà présente dans le théâtre antique, et non sans rapport avec le projet de la ville idéale, fut reprise avec une fortune particulière dans les recherches théâtrales et scénographiques de la Renaissance, conjugant les études sur la perspective, la relecture de Vitruve et les réflexions théoriques des architectes du XVIe siècle.

Qu’il s’agisse aujourd’hui de théâtres nouveaux, grands ou petits, de restructurations de salles historiques ou de théâtres intégrés à de plus vastes complexes, le rapport que ces salles instaurent avec la cité engendre des solutions et des développements d’une grande diversité.

Avec les théâtres de Chambéry (Mario Botta) et de Martigues (Fabre/Speller et Marino Narpozzi), ave l’Opéra de Glyndebourne (Hopkins Architects) ou avec l’auditorium de Léon (Mansilla+Tunon), l’architecture s’intègre avec discrétion dans le contexte urbain tout en cherchant à dialoguer avec les spécificités du lieu.

Parfois l’édifice théâtral devient un élément spectaculaire dont la fonction devient proprement monumentale se propose de calalyser rencontres et événements : Kursaal à San Sébastian (Raphael Monco), Théâtre Luxor à Rotterdam (Bolles+Wilson) et Richard B.Fisher Center for Performing Arts à New York (Frank O.Gehry).

Ailleurs, ce lieu de rencontres et de représentations s’exprime bien au-delà de la salle, par exemple dans de vastes foyers de verre ouvrant vers l’extérieur, comme au Théâtre Markant de Uden (Herman Hertzberger), au Théâtre national de Catalogne à Barcelone (Ricardo Bofill), au Théâtre de Recklinghausen (Auer+Weber+Architekten), au Théâtre sur la Potsdamer Platz à Berlin (Renzo Piano Building Workshop) ou au Centre culturel de Lucerne (Jean Novel).

Enfin, quelques réalisations s’appuient sur la reprise et la reconfiguration de bâtiments plus anciens : Théâtre de La Fenice à Venise (Aldo Rossi,Arassociati), Théâtre de Sagunto (Giorgio Grassi et Manuel Portaceli Roig), Théâtre alla Scala à Milan (Mario Botta).

Note : « Scene is here employed in the Gordon Craig sense of the term. In this sense it implies all that is contained in the German « Inscenierung ».

Bühne und Welt

Malgré que ce sujet et fait l’objet des magistrales conférences de Messieurs Louis de Broglie, Eugène Bloch et Léon Bloch, je crois utile, pour la compréhension de ce qui suit, de vous résumer très brièvement les idées des physiciens sur la constitution de la lumière, de l’électricité et de la matière.

…

Pourquoi ce livre ?

Pendant des siècles, la Belgique a été une terre d’accueil pour le thétre, particulièrement le thétre venant de Paris. Pratiquement aucune création, aucune production originale n’apparaissait dans nos salles de fortune.

A l’issue de la première guerre mondiale s’amorce un mouvement de création : auteur, acteur et chanteur belge commence à sortir du tombeau !

De sorte que depuis une soixantaine d’années et surtout à partir de la guerre 40, le théâtre fait par les Belges s’est développé d’une façon extraordinaire pour arriver aujourd’hui une floraison de spectacles les plus variés, répondant aux besoins d’un public nombreux, éclectique et exigeant. Jamais il n’et tant de créateurs et d’interprète, jeunes et moins jeunes, passionnés de spectacles.

Jamais non plus les structures politiques et économiques du théâtre n’ont été plus fragiles, plus instable et plus ambiguë, et par conséquent la situation des artistes. L’inquiétude qui en résulte nous pousse à faire valoir l’acquis et la qualité de ce qu’on a porté au patrimoine culturel belge d’innombrables artistes du spectacle au cours des 60 dernières années. Nous voulons attirer l’attention du public et des pouvoirs publics sur le foisonnement créatif actuel, conséquence de ce passé récent et promesses d’avenir.

Entraînés par leurs aînés, de nombreux jeunes artistes talentueux et passionnés s’engagent dans cette carrière, malgré ses aléas, apportant invention et 109 dans la pratique d’un art toujours mouvant. Nous voulons souligner l’intérêt qu’offrent nos artistes, au public de plus en plus nombreux de notre pays, et ce, en dépit de la survivance d’une mentalité négative qui consiste à faire fi de ce qui est belge.

C’est pourquoi ce livre s’imposait. Il fallait raconter cette belle histoire de notre thétre pour le plaisir de ceux qui l’ont vécu et pour l’édification de ceux qui ont à la poursuivre.

André Debaar

Président de l’Union des Artistes.

ISBN : 291201736X

Le temps des flammes présentes un panorama des éclairages de spectacles, depuis les flambeaux de l’Antiquité jusqu’aux dernières rampes à gaz, pour se clore sur l’invention de la lampe électrique. S’appuyant aussi bien sur l’évolution de la symbolique attachée à la lumière que sur celle des sciences et des techniques liées à l’optique et à l’éclairage, l’ouvrage propose une approche originale, historique et pourtant singulière, illustré par des ouvres emblématiques des représentations de la lumière à chaque époque.

L’auteur

Christine Richier et éclairagistes, régisseur de théâtre et chercheuse. Titulaire d’un Master en philosophie et doctorante en esthétique, ses activités de recherche interrogent le visuel thétral et ses pratiques. Et l’enseigne l’éclairage et son histoire à l’ENSATT et à l’université.

Sainte-Croix, petite ville du Jura vaudois situé à quelque 1000 m d’altitude et à proximité de la frontière française, perpétue la fabrication des boîtes à musique depuis plus d’un siècle et demi en dépit des modes et des crises.

Attiré par le savoir-faire des habitants de la région, un créateur et restaurateur d’automate s’est installé 173 à Bullet, localité voisine de Sainte-Croix. Grâce à lui et Alain de ses élèves, le pays des boîtes à musique est devenu aussi celui des automates.

Cet ouvrage veut rendre témoignage de ce que fut et de ce qu’est encore aujourd’hui le travail de ces artisans du rêve, attachés à réaliser des objets d’une autre époque, dont la grce enfantine et le charme romantique continueront longtemps encore que nous fasciner et de nous émerveiller.

ISBN : 9782930146331

(extrait) Depuis le XVIIIe siècle, époque à laquelle tout spectacle se donne habituellement dans un lieu couvert, jusqu’en 1890 « révolutions réalistes d’André Antoine et de Stanislavski), le décor peint en trompe-l’oil araignée, dans tous les genres (dramatique, lyrique, chorégraphiques), sur toutes les scènes du monde, particulièrement du monde occidental.

…

André Boll

Cet ouvrage, le second de ce genre publié par les Editions Meddens pour l’Institut International de Théâtre, sous le patronage de l’Unesco, a profité dans 42 pays de la collaboration étroite des Centres Nationaux que groupe l’I.I.T..

Dans une typographie luxueuse, c’est un panorama général de l’évolution du spectacle dans le monde. On n’y trouvera une dizaine de pays absents du premier volume, telles que l’Espagne, l’Inde et l’URSS.

L’introduction est consacrée à l’utilisation des matériaux nouveaux et à la mise au point des techniques nouvelles dans la présentation des spectacles.

Les index sont complétés par un « dictionnaire des décorateurs » groupant les fiches biographiques de quelque 360 artistes répartis dans 33 pays.

Comme pour le premier tome, la mise au point et la présentation sont l’ouvre de René Hainaux, rédacteur en chef de la revue Le Théâtre dans le Monde, assisté par l’éminent spécialiste Yves-Bonnat. La supervision en a été assumée par le Comité des publications de l’I.I.T.

un volume au format 24 X 30,5 cm de 260 pages dont 220 pages sur beau papier couché avec 35 illustrations en quadrichromie et 497 illustrations en blanc et noir. Reliure de luxe sous jaquette plastifiée en quatre couleurs.

ISBN : 0415941717

Virtually everyone working in dance today uses electronic media technology. Envisioning Dance on Film and Video chronicles this 100-year history and gives readers new insight on how dance creatively exploits the art and craft of film and video. In fifty-three essays, choreographers, filmmakers, critics and collaborating artists explore all aspects of the process of rendering a three-dimensional art form in two-dimensional electronic media. Many of these essays are illustrated by ninety-three photographs and a two-hour DVD (40 video excerpts).

A project of UCLA – Center for Intercultural Performance, made possible through The Pew Charitable Trusts (www.wac.ucla.edu/cip).

On a beaucoup écrit sur la Comédie-Française ; le sujet était trop intéressant pour ne pas tenter ce qui s'occupe du théâtre ; mais presque tout ce qui est apparu jusqu'à ce jour sur cette célèbre Compagnie est incomplet souvent, inexact quelques fois ; cependant la première condition d'un travail de cette nature n'était pas l'exactitude rigoureuse.

En réunissant sous le titre d'album de la Comédie-Française les portraits et les notice biographique de tous les sociétaires actuel, l'intention des auteurs et de ne présenter que des portraits ressemblant et des biographie correcte ; or, la signature qui se trouve au bas de chaque portrait prouve clairement que les artistes eux-mêmes ont bien voulu poser devant l’habile graveur M. E. Abot, qui est si admirablement exécuter ces eaux-fortes dont toute la valeur sera certainement appréciée. La précieuse collaboration de M. F. Fébure à cet ouvrage, indique que les éléments d'une biographie et les détails sur l'organisation du Théâtre-Français ont été puiser au meilleures sources.

L'album de la Comédie-Française n'a pas mission de faire une critique ou même une appréciation du talent des sociétaires ; il rappellera seulement les plus belles créations de chacun deux ; s'il fallait constater tous les triomphe, un volume si gros qu'il fût, me suffirait pas.

Les autographes qui nous ont été accordé, et qui donne à cet album un caractère si charmant. Au City cité, on est sur le succès, grâce a la sympathie qui dans tous les pays accueille les artistes de la Comédie-Française ; qui me soit donc permis, en terminions c'est tout préface, d'adresser, tant au nom de mon collaborateur au mien personnel, les plus vifs remerciements à ceux dans l'obligeance et faciliter notre tâche.

T. Johnson

Ce livre accompagnait une exposition. Il reprend l'histoire de la lumière et de l'éclairage depuis ses origines. Il aborde les grands types d'éclairage: au gaz, électrique, à incandescence, à décharge, ainsi que les technologies plus récentes.

Introduction.

Le cours d’éducation esthétique constitue une discipline d’éveil est un exercice de culture. Il doit concourir au développement de l’intelligence, à l’épanouissement de la sensibilité et à l’habileté de la main.

Tout en appuyant sur des valeurs stables et des traditions éprouvées, il doit être pour les élèves une découverte du monde actuel. Il peut accroître chez elle la confiance en soi par une libre expression de leur sensibilité.

Grce à cet enseignement, la plupart des jeunes filles seront capables de produire et de choisir sans faute flagrante de got.

Il est souhaitable que chaque exercice commence par une recherche de la beauté. Ainsi l’élève, sous l’influence bénéfique de cette formation, sera en mesure de comprendre, d’apprécier, de critiquer, de juger, de concevoir des réalisations sur le plan de l’esthétique et de l’intégration harmonieuse dans le milieu.

Sur le plan des activités professionnelles proprement dites, l’objectif du dessin artistique consistera à adapter la mode aux impératifs particuliers du climat et aux exigences de l’aménagement et de la décoration de la maison.

ISBN : 2742725121

En 1887, André Antoine (1858 - 1943) fonde à Paris le Théâtre Libre. Sous l’influence et avec le soutien de Zola, il a vendu, dix ans avant Stanislavski, un art nouveau où la « partie matérielle » de la représentation (l’ancienne « régie ») se combinent étroitement avec la « partie immatérielle », c’est-à-dire l’interprétation du texte. Antoine ouvre ainsi l’air de la mise en scène moderne.

L’étude de Jean-Pierre Sarrazac et l’anthologie des écrits d’Antoine réalisé avec Philippe Marcerou donne un large panorama de la carrière de ce grand homme de thétre, qui mit son art au service des textes contemporains français et étrangers avant de proposer au Théâtre de l’Odéon, une lecture originale de Shakespeare et des classiques français.

ISBN : 9791094689097

Les souvenirs de spectacles sont des lucioles, elles surgissent de la nuit, nous illuminent avant de replonger dans l’obscurité. Les photos, les vidéos, les captations, sont des traces souvent mélancoliques pour celles et ceux qui ont vécu la rencontre de ces spectacles vivants.

Mais le temps efface peu à peu cet art de l’instant qui demande tant de temps pour exister. Les textes, les mémoires, les témoignages, les carnets publiés permettent de revisiter en profondeur les arts de la scène qui marquent l’époque.

Albert-André Lheureux a dirigé quatre théâtres à Bruxelles de 1960 à 1990. L’Esprit Frappeur, le Botanique, Forest National et le Résidence Palace. Mais ce qui a été le ferment de la passion du metteur en scène demeure ce petit théâtre de l’Esprit frappeur, improvisé puis organisé de façon magique dans la maison familiale schaerbeekoise. Ce récit d’une vie de théâtre témoigne d’une aventure exceptionnelle. Elle aura marqué plusieurs générations de spectateurs.

Par chapitres, écrits comme des confidences aux lecteurs, l’auteur convie des fantômes majestueux (Piéral, Bécaud, Brel, Béjart, …) et salue fraternellement toutes celles et ceux qui ont fait de ce lieu une caverne aux merveilles. Les témoignages, les anecdotes, les coups de cœur, de désespoir parfois sont le lot de ces bateleurs.

L’argent, … le nerf de la guerre. Il manquait souvent alors l’ingéniosité scénographique, la mise en scène de l’accueil de spectateurs qui faisait déjà partie du spectacle, la complicité des actrices et acteurs de premier plan ont rendu possible l’entreprise jusqu’à la fin.

Les scènes de théâtre sont reliées par de communes passions même si les options dramaturgiques, le choix des auteurs, la façon de situer le théâtre dans l’espace public peuvent être la source d’antagonismes profonds.

Sans le public, le théâtre ne peut rien, en tout cas pas longtemps. Il s’agit donc d’être à l’heure, à l’heure de ce que le public cherche confusément, entrevoit et souhaite voir représenté.

Albert-André l’heureux avait ce sens de la rencontre, et le travail de toute son équipe a fait de Bruxelles, avec d’autres théâtres majeurs et l’époque, une ville théâtrale de premier plan.

Des portraits émouvants, drôles, piquants font la matière de ce livre lisible par toutes les générations. Elles pourront découvrir d’où est issu ce qu’on appela le Jeune Théâtre qui a engendré les générations d’artistes d’aujourd’hui.

On aimerait lire encore et encore ces livres de femmes et d’hommes de théâtre qui donnent sans compter pour que la Cité se représente et se réfléchisse chaque soir…

Daniel Simon

ISBN : 9788070080922

This representative catalogue of the Prague Quadrennial 2003 showcases the entire world exhibition of scenography and theatre architecture that year, including its accompanying events. It is organised by sections (national exhibits, theatre architecture, schools of stage design), the descriptions of the exhibited works are accompanied by rich colour photographs, and considerable space is devoted to the programme of the unique interactive ‘Heart of the PQ’ project and the international summer academy in stage design OISTAT SCENOFEST. It also includes an index of names.

ISBN : 3860684086

Following the trail of the early Bauhaus« student-guides have been doing this with visitors since 2006 in the context of the specially-conceived Bauhaus Walk. During that walk, you can experience the past and present of the Bauhaus-Universität Weimar at the very places where, in the era of the Staatliche Bauhaus, Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger an many others, lived out their ideas, worked, thaught and learned.

This book indicates what can be experienced on the Bauhaus Walk. It outlines the chequered history of the school, and describes all the different stops on the walk: the buildings designed by Henry an de Velde and listed as part of the UNESCO World Cultural Heritage since 1996; the wall designs by Oskar Schlemmer, Joost Schmidt and Herbert Beyer; Auguste Rodin's sculpture »Eve«; the Director's Office designed by Walter Gropius, the »Templer House« in the Park on the river Ilm, or the »Haus Am Horn«, the first Bauhaus test-house.

With this book therefore, you can also take the historical and anecdotal data home with you and follow the trail of the Bauhaus as often as you wish.