Bibliothèque

Une seconde pépite en est l’éphémère revue Théâtre Eclairage, les numéros 01(1968/69) et 02(1969/70), que l’on doit à Georges Leblanc et à l’aide de la société Clémancon. Une grande société de réalisations électriques mais qui possédait une division spectacle : projecteurs, jeux d’orgues, filtres. Elle a disparu aux débuts des années soixante-dix.

On y trouve, entre autres, à part la description de la nouvelle installation scénique du théâtre Sarah Bernhardt devenu le théâtre de la Ville, celle du Chromon. Il s’agit d’un dispositif, disons un boitier, sur lequel une manette reliée à un stylet qui se déplace sur diagramme chromatique de la CIE. Il permet d’obtenir, à partir de groupes de projecteurs munis respectivement de filtres rouge, vert, bleu et sans filtre, la couleur au choix, sur le plateau.

ISBN : 233005680X

François Delarozière, diplômé de l’École des beaux-arts de Marseille, est le directeur artistique de l’association "La Machine". Depuis toujours, il explore la machinerie des manèges et l’objet en mouvement. Inventeur et constructeur de décors et de créations pour le théâtre de rue, il conçoit et dirige la fabrication, depuis plus de quinze ans, de grandes machines de spectacle dont certaines de la compagnie Royal de Luxe. Parmi les plus emblématiques des pièces maîtresses de ces scénographies urbaines : le Géant, le Rhinocéros, le Petit Géant, les Girafes, la Petite Géante et le Grand Eléphant… Il est également le concepteur de la rue du Cargo Melquiades-Ville de Nantes (1992) ; le manège de Catimini (1994) ; le Beau Manège à Toulouse (1996) ; le Manège d’Andréa (1999) ; le décor du Passager pour le Channel, scène nationale de Calais (2000) ; la scénographie de l’exposition “Lisbonne/ Lisboa” pour le parc de La Villette à Paris (2002) ; le Géant des sept mers, créature hybride de 15 tonnes (élément central de la scénographie du spectacle du Forum 2004 à Barcelone) ; le Manège de Carré Sénart (2008) ; l’Araignée, créée pour Liverpool, capitale européenne en 2008. En 2004, il a créé avec le compositeur Mino Malan le spectacle La Symphonie mécanique. Il a participé à la réhabilitation du Channel (les anciens abattoirs à Calais) comme scénographe associé à l’équipe de l’architecte Patrick Bouchain (cf. Le Channel, collection “L’Impensé”, Actes Sud, 2008). Depuis plusieurs années, François Delarozière enseigne au département Scénographie de l’école d’architecture de Nantes.

ISBN : 285025570X

Présentation.

Alain Fleischer.

Cet ouvrage accompagne l’exposition inaugurale du Fresnoy-Studio national des arts contemporains, autrement que comme un catalogue traditionnel. D’une part, parce que les oeuvres présentées résistent elles-mêmes au catalogue, comme d’ailleurs elle résisteraient aux espaces traditionnels d’exposition (du musée, par exemple), sans être pour autant des oeuvres in situ, faites pour un lieu particulier, bien au contraire. Mais surtout parce que la conception même de l’ouvrage, les auteurs et la nature des contributions qu’il rassemble, en font un livre qui, indépendamment des oeuvres de l’exposition, attaque la question de la projection, des images projetées, à la fois dans son profil historique et dans une frontalité théorique qui littéralement fait apparition. Le livre expose ainsi, à sa façon, non plus des objets et des dispositifs transférés de leur espace physique (dont pourtant il évoque chaque projet), mais des objets et des dispositifs dans les espaces imaginaires où ils se sont d’abord constitués, dans l’espace de pensée où ils apparaissent et évoluent. Ainsi, on vérifiera sans doute que le livre se projette sur l’exposition plus encore qu’il n’en est le reflet : il s’y projette, non pas comme une ombre portée, ni comme une lumière blanche, aveuglante, mais lui-même comme imagent issues d’un texte organisateur, distributeur. Et l’exposition, sans être jamais l’illustration du catalogue, de même que le catalogue ne l’illustre pas, accepte ces images d’une nature différente, projetées parmi les siennes. Cette relation particulière d’un travail spéculatif - historique et théorique - avec des oeuvres d’art au travail, ainsi éclairée latéralement, préfigure peut-être les enjeux de la revue dont Le Fresnoy, dans une proche avenir se voudrait l’éditeur.

La conception de l’exposition inaugurale duFresnoy et de son catalogue fut confiée - il y a cinq ans déjà - P à Dominiqueaïni (secondé par Pascale Pronnier), directeur de la Cinémathèque française et aussi à la tête d’un projet de musée qui s’efforce de repenser les façons de présenter, de projeter le cinéma. La proposition qu’il formula aussitôt été d’une évidente justesse. On constate aujourd’hui à quel point elle ressemble de façon exemplaire les enjeux qui sont au coeur du projet du Fresnoy : des ouvres émancipées des classifications traditionnelles interrogent le sort de ces images voyageuses, fugitive, évanescente, immatérielle, que sont les projections cinématographiques, photographiques et vidéos graphiques, circulant non seulement dans des espaces et vers des surfaces perverties, mais d’un langage à un autre.

L’exposition illustre aussi le paradoxe d’inaugurer un lieu en commençant tout d’abord par devoir le nier. F Dans les superbes espaces réharbilités de l’ancienesnoy, l’exposition exigeait de faire le noir, a réclamé une architecture dans l’architecture - celle de Christian Kieckens à l’intérieur de celle de Bernard Tschumi - une nouvelle boîte dans la boîte. Un nouvel espace entre deux a été ainsi produit et ce n’est plus le btiment nouveau qui sert de couvercle et d’écrin à l’ancien mais, inversion, c’est l’ancien qui abrite une construction nouvelle sur laquelle il offre des points de vue. Cette situation est déjà Fen soi inaugurale d’un des deux casr de figure auquel les futures eexpositions dusnoy seront confronté : celui où les oeuvres dictent leurs besoins d’espace, d’isolement et de nuit. L’autre sera celui des oeuvres fascinées par l’architecture existante, avec laquelle elle dialogueront.

Pour certains d’entre nous (je parle ici pour la première fois en tant qu’artiste parmi ceux de l’exposition), la projection d’images fixes ou animées, silencieuse au sonore, détourné de leur dispositif de référence et provoquant parfois quelques courts-circuits de la représentation, est une pratique exploratoire déjà ancienne, régulièrement réinterrogée. Pour d’autres, elle apparaît comme une étape, dans la logique d’un parcours. Pour aucun, est née une petite idée à exploiter, ni un fonds de commerce à gérer. Pour tous, et les marqués par la dimension du risque et de l’aventure, une aventure qui dure sans s’épuiser - comme on peut le dire de certaines aventures amoureuses - ou une aventure qui marque ponctuellement par l’intensité de l’expérience.

Ainsi, on le voit, en une exposition et un livre, sont déjà constituées, dans leur complexité, les énergies dont le Fresnoy navire.

Tadeusz Kantor (1915-1990) naquit dans un minuscule village de Galicie, Wielopole. Il étudie la peinture et la scénographie à l'école des Beaux-Arts de Cracovie. Il commence sa carrière par du théâtre expérimental au Grupa Krakovska dont il fut co-fondateur. Pendant l'occupation hitlérienne, il fonde à Cracovie le Théâtre Indépendant (Teatr Niezalezny). En 1947 il séjourne à Paris où il se fait le relais en Pologne de la vie culturelle française.

Les plus grands triomphes de Tadeusz Kantor viendront avec la première de La Classe morte (Umarla klasa, 1975), un récit sur le fugitif et le permanent. Il décède le 8 décembre 1990.

L'œuvre plastique de Kantor est fortement influencée par la Pologne et son contexte politique. Les sujets récurrents en sont l'enfance (durant la guerre 40-45), son village natal de Wielopole, la mort... Il aborde des thématiques comme le pouvoir et ses abus, la violence, et la permanence des souvenirs.

Entre 1965 et 1970 il découvre à New York le Pop Art, le minimal Art et le happening.

En 1970 il écrit le Manifeste 70, dans lequel il défend l'idée d'une œuvre quasiment impossible, sans valeurs, fondée uniquement sur l'acte créateur.

De 1970 et jusqu'à sa mort il créera de nombreux spectacles : Les Cordonniers de Witkiewicz, présentée en français au Théâtre 71 à Malakoff en 72, Les Mignons et les Guenons en 73 ; La Classe morte en 75, pièce qui consacre sa notoriété notamment au Festival mondial de Théâtre de Nancy , Où sont les neiges d'antan, « cricotage » (happening du théâtre Cricot) réalisé à Rome en 79 ; Wielopole-Wielopole, créé à Florence en 80, Qu'ils crèvent les artistes! en 85 et Je ne reviendrai jamais en 88. La mort le surprendra pendant les répétitions de Aujourd'hui c'est mon anniversaire.

Tadeusz Kantor, plasticien-scénographe-metteur en scène ne vient pas du monde des arts du mime et du geste mais il a profondément marqué les artistes de ce genre artistique qui ont pu assister à certaines de ses représentations. Ses spectacles mettaient en scène des personnages entre souvenirs et réalité, entre vivants et spectres. Ces derniers se construisaient autour d'une gestuelle non réaliste, une manière de stylisation propre à l'artiste et probablement propre à chacun des acteurs qui constituaient sa troupe. La répétitivité et le rythme des actions scéniques, la rigidité robotique de certains personnages exacerbaient cette manière de déconstruction mécanique du vivant. Tadeusz Kantor a été également considéré comme un homme du théâtre d'objets (par l'utilisation d'une scénographie réalisée à partir d'objets de récupération) ou du théâtre de marionnettes (faisant apparaître très fréquemment des sortes de pantins).

Mais d'une certaine manière on pourrait considérer que Tadeusz Kantor fut également inspiré par le cirque : en effet toutes les entrées en scène des personnages se faisaient par une porte au fond de l'espace scénique (comme dans le cirque traditionnel) et le jeu procédait d'un enchaînement d'apparitions-disparitions et d'entrées-sorties.

Pour le public français ses spectacles, où la dramaturgie était autant portée par le texte (dit en polonais) que par les personnages et leur gestuelle, furent un choc artistique visuel hors du commun.

Claire Heggen et Yves Marc

Depuis quelques années, les écoles délivrant un enseignement spécialisé de scénographie se sont réunis au sein d’un réseau d’échanges pédagogiques impliquant étudiants et enseignants, intitulé Réso-Scéno, soit l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, l’Ecole Supérieure d’Art Dramatique du Théâtre National de Strasbourg et l’Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre. Dans ce cadre, diverses des actions communes ont été menées qui ont démontré l’intérêt de cette mise en réseau.

Lors d’un séminaire consacré à « l’enseignement de la scénographie en France », qui s’est tenue à Clermont-Ferrand en mars 1998 en relation avec la Commission Formation de l’Union des Scénographes, d’autres établissements ont rejoint Réso-Scéno : établissements alors le mon frère oui j’ai la maison à ne rien faire facile comportant également un enseignement spécialisé en scénographie comme l’Ecole Supérieure d’Art et Technique à Paris, ou établissement comportant un enseignement dans le cadre général de leurs études, Ecoles d’Architecture (EA Paris-Villemin, EA Paris La Villette, EA Strasbourg, EA Rouen, etc) et Départemens Arts du Spectacles à l’Université (Paris III, Paris VIII, Paris X, Montpellier, Amiens, etc).

La présente publication entend rendre compte de cette pluralité, au-delà de l’exposition, consacrée essentiellement au sein de l’établissement spécialisé et aux jeunes scénographes qui en sont issus, en faisant état de l’ensemble des établissements délivrant un enseignement de scénographie. Cette publication est fondée en partie sur les actes du séminaire de Clermont-Ferrand, qui doivent être publié prochainement.

A compter d’octobre 1999, la formation de scénographie DPEA sera de délivrer par l’Ecole d’Architecture de Nantes.

ISBN : 9780240821382

Theatre and film frequently require replicas of three-dimensional objects built for actors to use. This book lays the groundwork for an artisan to determine what materials and techniques to use to build these props. Walking the reader through the various tools and techniques used in historical and contemporary prop-making, the author present a process for deciding the materials and methods to build any prop. With an explanation of how the craft and its products have developed over time, the budding artisan will understand not just how and when to use certain techniques or materials, but also why to use them and what advantages they give. It arms the prop maker with a structured procedure for approaching the construction of any prop. Illustrated with step-by-step examples of how to use each construction method, and explanations of different types of materials, this book gives the beginner prop artisan a strong foundation to approach the construction of props and answers the question, "How should I begin?"

The author is hosting an online component to the book along with his successful blog. It will feature additional resources for the prop maker, including books, shops, contact information, and how-to videos.

Places materials, methods, and techniques in a historical context to show what construction practices work best for different types of props

Uses practial step-by-step examples of real props built for the stage

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A softcover theatrical supply company.

Contains descriptions and illustrations of various theatrical supplies, including switchboards, lights, electric stage effects (fireworks, flowing water, flying angels, rising mist, rolling lava, smoke and flames, etc.), music equipment, hardware, etc. Most likely from the 1920 s. The illustrations are all in black and white. The covers have bumped corners and edges, some rubbing, a couple creases, and chips on the crown and foot of the spine. The pages are all in excellent condition.

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M. Magnin compte trois phases diverses de progrès de décadence que le drame hiératique successivement parcourues : 1° l’époque de la coexistence du polythéisme et du christianisme ; 2° l’époque de l’unité catholique et du plus grand pouvoir sacerdotal; 3° l’époque de la participation des laïque Rosa exercée jusque-là par le clergé seul.

La première de ces périodes s’étend du premier au sixième siècle etM. Magnin la nomme hiératique que. C’est à cette époque qu’il faut rapporter les Mystères des Vierges sages et des Vierges folles, par la suivre notre recueil.

Ouvrez les guillemets la troisième période, dit le même savant, ou l’époque des confréries, nous montre l’art dramatique échappant parti, comme les autres arts, des mains affaiblies du sacerdoce pour passer, au XIIe siècle, dans celle des communautés laïques, pleine de cette ferveur pieuse et de cet enthousiasme de liberté, qui perd trois siècles après l’entier affranchissement de la pensée qui la complète sécularisation des arts… (5) Il nous est resté de cette époque des monuments dramatiques en langue française à 50 érables et d’une assez grande perfection relative pour que l’on puisse supposer sans témérité qu’elle en a produit davantage ; quoi qu’il en soit, nous avons donné ce qu’il en reste : nous voulons parler des pièces qui suivent le miracle de tes Vierges sages et des Vierges folles et qui précède celui d’Amis et d’Amille.

C’est réellement à cette époque commence pour nous le thétre français dans le sens à ce dernier mot. M. Magnin le fait remarquer en ces termes :

« qu’est l’ouverture de la troisième, nous verrons le drame ecclésiastique obligé de renoncer à la langue latine et de la remplacer par des idiomes vulgaires. Devenu peu à peu trop étendu pour conserver sa place dans les offices, le drame liturgique fut représenté les jours de fête, après le sermon. La Bibliothèque Royale possède un précieux manuscrit des premières années du XVe siècle qui ne contient pas moins de 40 drames ou miracle, tous en l’honneur de la Vierge, la plupart précédés ou suivis du sermon en prose qui leur servait de prologue ou d’épilogue. Déjà, dans ce recueil, dont la composition remonte au XIVe siècle, plusieurs légendes laïques et chevaleresques, telle que celle de Robert-le-diable, dénote l’affaiblissement graduel de la prochaine décadence du drame hiératique (6). »

Il m’a paru nécessaire de donner ces notions préliminaires avant d’aborder l’histoire de notre travail. Sans doute j’eusse pu composer une introduction avec les matériaux que j’avais rassemblés pendant plusieurs années sur l’histoire de notre ancien théâtre, et me dispenser par la depuis ici largement dans l’ouvre d’autrui ; mais arrivé en présence du public avec des opinions que je devais à mes propres études, j’ai attendu qMu’il me fut permis de les exprimer et de le.s soutenir devant lui. Magnin s’était engagé en partie du même soin ; je l’ai entendu, j’ai mêlé mes applaudissements à ceux de la foule éclairée qui se pressait autour de lui ; et quand mon tour est venu de prendre la parole, j’ai d renoncer et m’en tenir au développement et aux conclusions de l’habile maître, qui fut pour moi de trouver sommeil en. Le tribunal de la critique, on le sait, a déclaré la cause entendue.

…

Francisque Michel

ISBN : 2912017017

Les mémentos du spectacle,

une collection Asdec.

L’information et la qualification des professionnels intervenants dans les champs de la création et de l’action culturelle suppose la meilleure diffusion possible des publications spécialisées les aidant à exercer leurs différentes activités.

Agissant déjà dans leurs disciplines respectives, plusieurs éditeurs dont les Editions AS (« Actualité de la Scénographie »),l’IRMA (« L’Officiel de la Musique », « Profession Artiste »), ont décidé de regrouper leurs moyens et leur savoir-faire pour des opérations transversales.

Ainsi est née l’idée de cette collection de fascicules pratique consacrés à des questions scéno-techniques, de réglementation de sécurité et de pratiques professionnelles, valable pour l’ensemble du secteur.

Le premier numéro, consacré à la pyrotechnie (la réglementation, les dispositions administratives, les produits utilisés et la formation), a vocation à offrir une information générale à l’ensemble des commanditaires institutionnels et privés, et à tous les utilisateurs.

ISBN : 2070531635

«Fais ce que tu voudras», proclame le carnaval, mais son ordre est rigoureux. Le domaine de chaque âge, sexe et condition, la relation aux morts, les formes du temps, tout le socle d'une société s'y révèle et s'ordonne sous le masque et par lui. Carnaval ! Le mot suffit à faire surgir parades et fêtes populaires parmi les plus tenaces.

Daniel Fabre en visite le royaume et en désigne la double énigme. Dans quelles filiations inscrire ces déguisements ? Comment comprendre cette inversion toujours renouvelée ?

ISBN : 9789299006320

Are you still not getting what an international organization is? Are you still wondering what OISTAT is and what OISTAT does? Here is your best solution!

Understanding OISTAT – Network of Global Theatre Professionals is the best, most easy-to-read guidebook to peek into the international theatre organization – OISTAT. OISTAT, as a communication hub for the international theatre community since 1968, aims to generate and promote ongoing exchange of knowledge, international collaborations, and experimentations.

This book details OISTAT’s organizational structure, operations, activities, its transitions and challenges. It provides insights into its past and future. While revealing challenges many international NGOs face, it further offers suggestions in evolving with the ever-changing world. The book includes a complete record of OISTAT leadership, significant milestones, international activities and projects that will prove as a valuable resource for the worldwide theatre community.

OISTAT Headquarters as a moving entity has traveled from Prague, Amsterdam, and now to Taipei. With the advantage of being in a Mandarin-speaking country, this book was able to be composed in both English and Chinese, in order to serve broader readers.

As the only international NGO with a migrating Headquarters, through this book, you will see the transformation of the organization, the every-day works, the challenges and opportunities. The interviews with international theatre professionals are also featured, revealing the true face of OISTAT.

ISBN : 2010160924

Peindre ne signifie pas seulement appliquer au rouleau trois couches d’émulsion d’une même couleur …

En vous révélant les secrets des décorateurs, Annie Sloan et Kate Gwynn vous font découvrir des techniques de peinture décorative auxquelles vous n’aviez peut-être pas songé ou dont vous pensiez qu’elles étaient réservées aux professionnels.

Porte en « chêne », sol en faux marbre, tapis ou fenêtres en trompe-l’oil, plateau de table en « malachite », boîte à bijoux en « écaille de tortue », impression au pochoir, etc., toutes ces techniques sont expliquées, détaillées et illustrées de photographies en couleurs.

Un principe d’évaluation des difficultés permet aux novices comme aux plus expérimentés de faire leur choix : pour les uns, un véritable apprentissage, pour les autres, une nouvelle source d’inspiration.

ISBN : D1998120513

Les risques que cette brochure veut prévenir, sont les risques associés à la manutention manuelle, c'est-à-dire non seulement les risques d'accidents de travail ayant des conséquences pour le dos, les membres inférieurs (entorses…) ou les extrémités (coincement des doigts…) mais également le vieillissement progressif des structures ostéoarticulaires, la fatigue et la dépense d'énergie excessives.

A cet effet, le guide fournit des outils d'auto-évaluation de ces risques et propose une démarche de choix des priorités et des stratégies de prévention.

La brochure a été élaborée par une équipe du Service de santé au travail et d'éducation pour la santé de l'Université de Liège.

Ce guide peut être utilisé avec la Fiche d'identification des facteurs de risque liés à la manutention (FIFARIM).

Cette publication est uniquement disponible en téléchargement.

Une oeuvre d’art à l’échelle de la ville moderne, tel est l’objectif de Nicola Schöffer lorsqu’il est établi le projet de construction de la Tour Lumière Cybernétique. Première réalisation artistique conçue pour une grande métropole, elle symbolisera et concrétisera une des aspirations de l’homme actuel : mettre au service de l’art et de la culture les acquis techniques et scientifiques ; elle sera un exemple d’un art nouveau créé pour une société nouvelle.

« Cette vérité, tout d'abord -connue et avérée, mais toujours oubliée : que Woyzeck est un drame inachevé, l'état d'une forme en devenir arrêtée net par la mort de l'auteur. Non pas une pièce en fragments, mais une pièce en morceaux : car le tout des morceaux n'est pas celui des fragments, il est moins noble, il n'a pas séjourné dans la science et ne se constitue pas en réseau mais s'empile simplement, strate après strate. Morceaux à l'étal, empilés sur la scène, comme ci ou comme ça... Les voix qui parlent dans Woyzeck parlent dans la folie qu'il n'y ait pas (ou plus) de loi et que la nature soit ce qui, aux pauvres gens, tienne lieu de loi, mais comme un vide : bouteilles bues dans les cabarets, lueurs animales dans la nuit. Parce qu'elle est écrite avant que les "pauvres gens" ne se constituent (ou ne soient constitués) en tant que sujet révolutionnaire -avant, donc, leur rassemblement autour d'une loi ou de ce qui peut en tenir lieu -, l'histoire de Woyzeck et de Marie, quoiqu'historiquement située, et même située dans le trou de rat de l'Allemagne au ciel très bas du Vormäz, échappe à l'agitation héroïque comme à toute récitation orientée ou édifiante... Jean-Christophe Bailly

ISBN : 2874280658

À travers les photographies de Sergine Laloux, les textes et les regards de Marie Baudet, Rosita Boisseau, Pascal Chabot, Claire Diez, Bernard Foccroulle, Bruno Follet, Thierry Knauff, Brigitte Lefèvre, Gérard Mayen, Joseph Noiret et Jean-Marie Wynants, se dessinera toute la richesse d’un parcours chorégraphique qui, depuis plus de vingt ans, explore l’humain et les multiples mondes qui l’habitent.

ISBN : 8476095708

Catálogo de la exposición organizada por el Musée des Beaux-Arts de Lyón describe íntegramente la historia del primer ballet español de Picasso, El sombrero de tres picos. Por primera vez se publican juntos las fotografías y documentos de archivo de la época, las maquetas y bocetos de Picasso del telón de boca, de los decorados y del vestuario del ballet, las páginas de sus cuadernos de trabajo con los proyectos de maquillaje y atrezzo, así como un reportaje inédito sobre la realización del telón de boca en los talleres del Covent Garden de Londres en 1919.

ISBN : 8361213325

This catalogue presents 18 photographes documenting Kantor’s spectacles, taken by Jacquie Bablet. It also contains a DVD footage of an interview with Kantor speaking about his paintings (with English subtitles).

ISBN : 8321330207

msc.J. Grotowski, sceno. Jerzy Gurawski - Opole (1960, 1962, 1963) - The Constant Prince after Calderon (1966) ...

Tadeusz Kantor - The Return of Odysseus (1943), In a Little Country House (1958), The Water Hen (1968), The Cobblers (1972), The Dead Class (1975) ...

Société Française des Electriciens - Ecole Supérieure d’Electricité - Eclairage Electrique, conférence par Mr. Laporte - Photométrie des Arcs, conférence par Mr. Jouaust - Promotion 1919-1920 - Rédaction des Elèves

Voici la deuxième édition du Ciné Almanach Prisme, non seulement « revue et corrigée » comme il se doit, mais transformée, un peu dans la présentation, beaucoup dans sa rédaction est augmentée de nouveaux sujets.

Ce que nous avions dit de l’Art du Cinéma est d'aujourd'hui comme d’hier ; nous n'y avons apporté que quelques retouches.

Il en fallait au contraire dans l'exposé des notions essentielles, pour mieux montrer le rapport avec une bonne technique son tendon sans cesse dans les domaines nouveaux.

Ainsi, il nous a été possible de parler plus longuement de la couleur, domaine privilégié du cinéaste amateur, d'étudier les différents procédés de sonorisation des films et les nouveaux compléments optiques qui apportent à nos projections une meilleure sensation de relief et d'espace.

Comme pour le premier Ciné-Almanach Prisme nous avons adopté l’ordre alphabétique en lui donnant plus de souplesse. Il nous a paru, en effet, nécessaire de grouper les notions du même ordre, soit qu'elles se rapportent à l'optique, la lumière, la mécanique, soit au matériel, à la technique, à l'esthétique du film. Le débutant comme l'amateur déjà entraîné en trouverons la lecture plus aisée.

Pour que cet ouvrage soit un véritable guide, nous avons établi une liste complète du matériel de prise de vue et de projection ; elle fut mise à jour à l'occasion de la Biennale de la Photographie et du Cinéma.

La première édition du Ciné-Amanach Prisme été signé par Pierre Faveau et Pierre Boyer ; leurs compétences due à leur ancienneté dans l'étude des problèmes cinématographiques avait assuré à cet ouvrage le succès qu'il vérité.

Que ce titre Pierre Boyer trouve ici l'expression renouvelée de nos remerciements.

Pierre Faveau, parachevant le travail d'équipe déjà entrepris, assure seul la charge de cette nouvelle édition appelée, nous n'en doutons pas, au même succès.

ISBN : 2734900009

Préface.

Préfacé un ouvrage, s’est donné la clé qui permet au lecteur d’entrer de plain-pied dans le monde de l’auteur.

Apparemment, ce qui est présenté ici comme une étude sur l’éclairage devrait se passer de cette clé.

Eh bien non ! Car si cette étude est limpide, admirablement documentée, elle recèle une richesse que son titre « technique » ne révèle pas. C’est sans doute là que réside la modestie de son auteur, Yves Bonnat.

Sachez que ce dernier se présente comme technicien du thétre, ce qui est, mais il est bien davantage. Il est un artiste dans toute l’acceptation du terme.

Oui, il est l’homme de l’art, car il connaît à merveille, pour les avoir pratiqué, toutes les données des spectacles : lyriques, dramatiques, revues, music-hall, cirque … rien en la matière ne lui est étranger.

Yves Bonnat semble se complaire à oublier qu’il est un excellent peintre, un décorateur de thétre, d’opéra, qui a fait avancer cette pratique d’une façon considérable durant des lustres. Que ce soit l’Opéra de Paris, sur les grandes scènes de France ou à l’étranger, il a apporté sa large contribution au dépouillement scénique à la rigueur que l’on a parfois tendance à négliger.

Qui plus est, B Yvesonnat, en tant que critique, a bourlingué dans toutes les salles de spectacles, de l’Opéra au Casino de Paris. Et c’est là que tout se forme : le got, la connaissance, la précision d’une opinion et surtout la sensibilité aux propositions des artistes qui font des spectacles.

Et quel intérêt y aurait-il à dépeindre toutes les possibilités de l’éclairage scénique si l’on n’avait pas éprouvé leur efficacité sur les réactions du public et des acteurs ?

C’est bien là que l’ouvrage diffère de ce que l’esprit présagé son titre .

YvesBonnat ne dit pas que dans cette étude. Certes, ils livrent tous les secrets des techniques de l’éclairage, c’est-à-dire un des éléments essentiels du spectacle ; le miracle qui lui donne vie. Mais il oublie de dire quelle âme il a souvent donné à ce monde du spectacle.

Je n’ai jamais vu de plus beau et de plus fort est car même que celui dont il a imaginé le dispositif scénique riche en lumière construite cette fois par un arc renversé, symbole du ciel et de la reine. Pas de fioritures, mais l’éclairage du chef-d’ouvre intime de Bizet.

Certes, Yves Bonnat parle de ce dispositif du Théâtre de Verdure d’Aix-les-Bains où se déroulait le Festival International de la Danse, mais inédit pas que ce fut lui l’me d’une manifestation unique en son genres et jamais renouvelés.

Si je dis tout cela, c’est pour que vous disiez « autrement » cette étude, afin d’acquérir davantage que la connaissance d’une technique. travers cet ouvrage, c’est la vie du spectacle que vous devez saisir à l’aide des mots simples d’Yves Bonnat derrière lesquels se cachent, avec pudeur, l’artiste qu’il est profondément.

Charles Humbert - Juillet 1982.

ISBN : 9788070083840

Almost one year after the 13th edition of the Prague Quadrennial of Performance Design and Space, a publication has been released dedicated to the SharedSpace: Music Weather Politics project with a particular look at the latest PQ exhibition.

Each of the essays, written by foremost professionals in the field of scenography, such as Irena Šentevska, Peter Crawley, Vojtěch Poláček, Rachel Hann, Sodja Lotker, Joslin McKinney, Sigrid Merx and others, presents a highly particular and personal “take" on the highly diverse constellations of PQ 2015 events. At the same time the book defines some of its key concerns, innovative approaches, questions, and challenges as well as the nature and considerations of scenography and theatre in the present moment.

Musée de l'Automate

Place de l'Abbaye

46200 Souillac

Recherches de lumière.

Comme toutes mes recherches, celle que j’ai faite avec la lumière ou quelque chose en suspens qui demande une continuation.

La presque totalité de mes recherches sont seulement sa : des recherches.

Elle prenne le minimum de chambre pour pouvoir être visualisé. Les potentialités de développement et d’adaptation ou d’intégration à différents domaines comme l’architecture, spectacles, cinéma…

De ces recherches de la fin des années 50 et début 60, bricoler rudimentaires ans, j’ai vu par la suite, avec l’aide du développement de la technologie de l’éclairage, des adaptations spectaculaires, grandiloquent ou simplement commercial, ou n’est qu’une mise en avant de puissance kilowatt et un répertoire des efforts faciles fournis par des ingénieurs en est chronique avec un cot de revient énorme.

Tout ceci est très loin du temps où je prenais l’ampoule de 60 W de la cuisine pour faire mes premières recherches avec la lumière artificielle. J’ai toujours pensé qu’il doit exister une corrélation entre les moyens utilisés et le résultat. L’imagination doit prévaloir sur la technique.

Ces expériences avec la lumière et le mouvement se rattache au principe d’éloignement d’une ouvre fixe, stable et définitive. Le spectateur se trouve devant, entouré par, le développement d’une multitude de changements. Le support uniforme des éléments ou des formes accentuent sans distraire l’instabilité mise en évidence. Ainsi le spectateur perçoit-il une partie des changements, ce qui suffit pour saisir le sens total de l’expérience.

cette époque, je pensais que mon intervention se limitait à confronter quelques éléments et qu’une fois le rapport établi, le résultat visuel obtenu en était la conséquence. Je pensais que ça ne devait être évident pour le spectateur et qui n’était pas à chercher les motivations émotionnelles, esthétique ou autres qui m’auraient conduit à choisir telle ou telle image.

Dans l’ouvre d’art traditionnel, tout est fixé par un système de signes et de clés qu’il faut connaître au préalable pour être en mesure de l’apprécier. Face à cette situation, nous pensions que la présentation d’expériences aux possibilités de changements multiples - dont les images étaient le résultat de la simple mise en rapport de quelques éléments plus ou moins complexe et non celui d’une main savante pour respirer de l’artiste - constituer un moyen, limitée certes, mais efficace, de commencer ou de poursuivre la démolition des notions traditionnelles sur l’art, son faire, son spectacle et son appréciation.

Les premières expériences avec la lumière furent réalisées fin 1959. Elles utilisent la lumière dans la petite boîte dont le but est de reproduire, multiplier et combiner, au moyen d’écran composé avec des plaques de plexiglas en forme de prisme, des carrés et des cercles utilisant une gamme de 14 couleurs. Comme dans d’autres recherches, il ne s’agit pas ici de faire des tableaux lumineux. La lumière n’était qu’un moyen, comme le plexiglas ou les formes géométriques, pour concrétiser certaines de mes préoccupations, tels que d’appréhender le potentiel de variation ainsi induite et les manifester dans un seul champ visuel.

De nombreuses expériences réalisées, dérivé du maniement des matériaux et de la différenciation des problèmes.

Pour circonscrire le spectateur, le placer au centre d’un phénomène, l’entourer d’une situation visuelle, quelques expériences furent réalisées dans le premier labyrinthe ; trois de mes propositions associent la lumière à des éléments réfléchissants pour donner forme à trois cellules que le spectateur est invité à traverser. Ces expériences excluent la possibilité d’appréhender le phénomène d’un seul coup d’oil comme dans le cas des tableaux traditionnels accrochés au mur ou des sculptures sur socle autour desquelles tournent le spectateur. Au contraire, elle plonge dans une situation visuelle en le sollicitant simultanément de tous les côtés, afin que l’image perçue pendant son passage soit le produit de son temps d’arrêt dans cet espace, des mouvements qu’il effectue, des images qui sont produites successivement, etc.

Sollicité par lumièrelumière pour faire quelque chose avec l’architecture des tours de la Rochelle et du fort Liédot l de’Ile d’Aix, je me retrouve en infériorité par rapport au maniement des technologies actuelles de l’éclairage. Il me reste à conjuguer les différents éléments et, comme d’habitude, avec une économie de moyens, mettre en fonction mon imagination et ma réflexion pour apporter des suggestions qui donnent pour résultat quelque chose de simple, direct évident.

Ainsi s’enclenche un processus de recherche qui ouvre de multiples possibilités à une échelle ou ma petite ampoule de 60 W est insuffisante. Les éventuelles réalisations doivent avoir un résultat basé sur une expérimentation réfléchie faisant surgir une idée claire avec une présence visuelle qui donne la possibilité de dialoguer avec celui qui regarde.

Julio Le Parc, avril 1999.

ISBN : 2355391823

Depuis le glissement du terme de décor vers celui de scénographie en 1970, la thématique de l’espace de la représentation inspire de nombreuses réflexions pratiques et théoriques. Il nous a semblé nécessaire de réunir dans un même ouvrage les textes qui permettent de mieux comprendre les différents carrefours qui ont jalonné l’espace scénique depuis l’Antiquité. Comme il le pratique lors de ses cours au conservatoire, à l’université ou en école d’arts visuels et de design, Romain Fohr propose une amorce de réflexion avant chaque texte pour contextualiser le propos de l’auteur dans la situation de l’espace scénique de l’époque et du pays.

ISBN : 2212134584

Préface

La salle s’assombrit …

Le bruissement des conversations s’estompe et, imperceptiblement, s’éteint dans le noir absolu …

Voici, offerte au rêve, notre âme nue …

Une musique la prend par la main et l’entraîne dans l’irréel : un vent de nulle part se lève et fait scintiller, sous de mystérieuses lueurs, des frondaisons de métal qui semblent s’extraire du sol. Haut dans le ciel, dans un halo de lumière laiteuse, un personnage (est-ce un esprit ? Un ange ?) flottent dans l’espace avant de se poser avec légèreté dans la clairière devenue, entre-temps, miraculeusement rose …

Ainsi, quelque secondes ont suffi pour nous plonger dans le mystère des dieux qui ont fait surgir le rêve autour et en nous.

C’est « Dieu », nous les connaissons bien, leur nom s’affiche : l’auteur, le metteur en scène, le musicien, le chorégraphe, les acteurs … Ceux du fond de scène qui s’offre à nos applaudissements …

Mais qui connaît celui qui autour, dessous, derrière, dessus, en avant, en arrière de la sphère magique a conçu et mis en place les cables et filins, les vis et verins, les poids et contrepoids, les treuils et poulies, toute ces solides et concrètes choses mises à la disposition des «  dieu » pour exécuter leur tour de passe-passe ? Personne, si ce n’est les dieux eux-mêmes qui vénèrent ce modeste génie des tréfonds : le scénotechniciens …

Comment dites-vous scénotechniciens ? Qui c’est c’ui là ? Voyez bien, même son nom vous est inconnu.

Eh bien, en voilà un - et pas des moindres - qui sort de l’ombre des coulisses pour faire la magistrale démonstration de la résolution du rêve.

Pierre Gauthier, vous qui, pendant 50 ans d’exercice professionnel silencieux et fécond, n’avait révélé vos secrets cachés « dieu » magiciens, vous avez maintenant la parole à l’avant-scène.

Etonnez-nous encore …

Edmond Bonnefoy

Une seconde pépite en est l’éphémère revue Théâtre Eclairage, les numéros 01(1968/69) et 02(1969/70), que l’on doit à Georges Leblanc et à l’aide de la société Clémancon. Une grande société de réalisations électriques mais qui possédait une division spectacle : projecteurs, jeux d’orgues, filtres. Elle a disparu aux débuts des années soixante-dix.

On y trouve, entre autres, à part la description de la nouvelle installation scénique du théâtre Sarah Bernhardt devenu le théâtre de la Ville, celle du Chromon. Il s’agit d’un dispositif, disons un boitier, sur lequel une manette reliée à un stylet qui se déplace sur diagramme chromatique de la CIE. Il permet d’obtenir, à partir de groupes de projecteurs munis respectivement de filtres rouge, vert, bleu et sans filtre, la couleur au choix, sur le plateau.

ISBN : 2912017327

C’est à une passionnante plongée historique, esthétique et méthodologique que nous convie Alessandra Pagliano. En décrivant les avancées successives faites en matière de perspectives, en analysant la manière dont procéder, tout comme les jeux d’ombre et de lumière, ont été utilisé en peinture et sur scène, elle nous invite à décrypter comment les illusions de profondeur et de volumes se construisent géométriquement. Cette mise à plat permet à l’ouvrage d’être également un outil didactique que est pratique pour qui veut explorer les relation toujours renouvelée entre les mathématiques et l’art, et tout particulièrement l’art scénographique.

AlexandraPagliano est chargée de recherche et d’enseignement à l’université Frédéric II de Naples.

ISBN : 2070708446

Les carnets de Léonard de Vinci.

Traduit de l’anglais de l’italien par Louise Servicen.

Préface de Paul Valéry.

Une douzaine de tableaux à peine peuvent être attribuée à Léonard avec quelques certitudes ou quelque vraisemblance ; et si l’on se référait aux témoignages de ses contemporains, ce nombre se trouverait tout juste doubler ou tripler. L’emploi de son temps demeurerait donc une énigme, n’était l’existence des Carnets. Ceux-ci, en effet, compte plus de 5000 pages non j’ai cherché à répartir le contenu sous quarante rubriques. Je sais ce que mon classement a forcément de sommaire et d’un complet, étant donné la variété infinie de la matière. Car de cet homme qui exécuta quelques ouvres d’art avec la plus divine perfection, on peut dire que toute de les branches du savoir plus sur familières et que ces travaux ont résumé tous les aspects d’une époque. Pour qui les a étudiées, ces manuscrits, produits de milliers d’heures d’activité cérébrale, atteste le travail de la plus puissante machine intellectuelle que fut jamais cerveau humain. Nous sommes en présence d’ébauche d’un plan immense, approfondie, méditer, mais jamais réalisé, et dont les Traités - somme de recherches anatomiques, physiologiques et géologiques - ne forme qu’une partie, l’esquisse d’une vaste encyclopédie de la connaissance humaine.

E. MacCurdy

Les mémoires d'un administrateur de la Comédie Française qui, de 1948 à 1953, dut gérer à la fois la bonne santé administrative de la société malgré les problèmes de subventions, les affaires de personnes parmi les sociétaires et les divergences dans l'opportunité de certaines programmations. Une page de l'histoire du théâtre français…

Avec parfois beaucoup d'humour, il lui en fallu, l'auteur nous dresse les portraits des plus grands hommes de théâtre de cette époque; acteurs, auteurs, metteurs en scène ou techniciens. Il nous relate les grands succès de l'après-guerre mais aussi les plus retentissants échecs.

Des appendices, fort intéressants, donnent la listes des acteurs (sociétaires et pensionnaires), des pièces jouées, des tournées, des succès et des échecs ...

ISBN : 2070601870

L'art des noeuds.

Les noeuds qu’il faut savoir faire,

ceux qu’il convient de savoir faire,

ceux qu’il vaut mieux éviter de faire …